Master Class de Retrato

Master Class de Retratos


Presentación

Para mi lo mas importante a la hora de realizar el retrato perfecto, es lograr capturar el sentimiento deseado por el fotógrafo o artista. Fotografía es luz, pero para mi es pasión, por eso quiero mostrarte el proceso que yo utilizo para lograr retratos naturales y espontáneos en los que logres reflejar tu personalidad o estilo como fotógrafo.

Sobrevivir y sobre salir en las redes sociales cada día es mas complejo, ya que en esta época la fotografía se ha convertido en la clave para llamar la atención del consumidor final. Aprender realmente las reglas y los conceptos básicos de la fotografía es vital, pero que tal si simplificas tus trabajos aprendiendo a aplicar rápidamente esos conceptos, las reglas y adaptarlos a tus necesidades como emprendedor actual.

Conocer la diferencia entre una cámara y otra, por ejemplo las nuevas mirrorles o una DSLR, es importante para entender cual puedes usar ajustándote a tu presupuesto. Mostrarte mi preferencia de lentes (objetivos) a a hora de trabajar rápido, accesorios disponibles en este 2020 para lograr una iluminación adecuada, tipos de flash y esquemas de iluminación adaptados a las nuevas tecnologías.

Me considero un fotógrafo amante de los retratos y en cada sesión que realizo siempre la finalizo haciéndole retratos a el modelo que tenga frente a mi cámara. Por eso, este curso esta basado en mis experiencias a lo largo de mi Carrera como fotógrafo de editoriales para revistas, agencias de Modelaje y en mi foto estudio donde he realizado producciones para comerciales y perfiles profesionales.

Aprenderás o refrescaras tus conocimientos sobre el tratamiento de la luz. Verás la diferencia entre luz suave y luz dura. Profundizarás en el uso en estudio de los diferentes modificadores y algunos conceptos sobre luz de relleno y cómo aprovechar la luz en exteriores.

Este curso no te garantiza que todo te saldrá perfecto al finalizarlo sin el “ensayo y error” correspondiente, ademas debes poner el máximo empeño y tu toque personal para empezar a diferenciar tu trabajo de el de los demás fotógrafos.

Todos tenemos una parte artística que hay que educar y potenciar. Explicar y entender la parte técnica de la fotografía es relativamente fácil, lo difícil es enseñar a hacer buenas fotos.

Hacer fotos digitales y no saber cómo modificarlas es dejar pasar una oportunidad de mejorar ciertas fotos. Es increíble lo que se puede llegar a hacer con Photoshop. Aunque la mayoría de nuestras fotos no necesiten grandes retoques, muchas de ellas mejorarían con un pequeño ajuste en el encuadre, en el color o en el contraste. Con Photoshop, estos pequeños retoques son cuestión de unos minutos.

Por último, realizarás la postproducción de tu sesión. Revelarás en Camera Raw nivelando exposición, brillos, contrastes y sombras para luego pasar tus fotos a Adobe Photoshop, donde realizarás un retoque básico y muy práctico.

INDICE

  1. La Cámara
  2. La luz y la Fotografía
  3. Como aplicar la teoría en la practica
  4. Composición
  5. Enfoque y Profundidad de Campo
  6. Manejo de la cámara
  7. Resumen Consejos Para retratos
  8. Aplicaciones en los teléfonos celulares para mejores fotografías
  9. Instgram como Portafolio
  10. Ejercicios de fotografía imprescindibles
  11. Procesado RAW

 

Introducción

Muchos fotógrafos pensamos que no hay nada mejor que una cámara analógica o de rollito como le decimos normalmente para hacer un buen retrato, sin embargo en este 2020 nos encontramos con la gran disyuntiva de que cámara comprar, luego de haber empezado a tomar fotos de manera aficionada sientes que ya estás a nivel intermedio queriendo pasar a ser profesional y obtener mejores resultados.

Este curso te va a ayudar a entender que necesitas para lograr tu meta, refrescar tus conocimientos básicos, aprender nuevos y llenarte de ideas frescas, va dirigido a los fotógrafos aficionados, con conocimiento básico que buscan avanzar al siguiente nivel y en este caso hacer mejores retratos.

Explicando de manera simple y sencilla con mis propias palabras y bajo mis propias experiencias como pasar rápidamente a ese nivel necesario para empezar a mercadear sus fotografías, generar ganancias, hacerse virales y reconocidos empezando con poco presupuesto y entendiendo que necesitas realmente para llegar a ese nivel profesional, ya que para mi un fotógrafo llega a ese termino cuando empieza a cobrar por su trabajo.

Saber que cámara comprar por aquello del tamaño, y la comodidad, o peor aun, por aquello de cual tiene mas megapíxeles ya que mientras mas megapíxeles mas nítida se vera una imagen que es lo que llamamos resolución.

Actualmente la fotografía ha tomado tanto impulso y significado que sin querer se ha convertido en la parte mas importante de un teléfono celular, y han vuelto a aumentar el tamaño de los mismos para poder tener una mejor resolución de las fotografías, ahora traen cada vez mas lentes en la parte trasera del mismo, lo que ha transformado a las abuelitas, nuestros papas y hasta los mas pequeños de la casa en fotógrafos profesionales. El mayor avance de los mismos fotográficamente hablando es que en cuestión de minutos puedes compartirla con millones de personas a nivel mundial. También hablaremos en este curso sobre las app en celulares para hacer mejores fotos.

Definitivamente la fotografía analógica quedo en el olvido, aquello de disfrutar que la luz entraba por un objetivo y exponía la película quedando alterada la composición química de las sales de haluro de plata de la película, luego había que llevarla a revelar para disfrutar de ese negativo, y ya podíamos obtener copias en papel mediante el positivado o revelado, que lo hacían en el laboratorio fotográfico.

A partir de este momento vamos a enfocarnos en aprender como lograr capturar retratos mágicos de esos que te quitan el aliento con solo verlos. Además que al aprenderte toda la parte teórica que aquí veremos te será mucho mas fácil aplicarlo en la practica y no solo en retratos si no en toda las fotografías que realizaras a diario.

 

La Cámara

  • Como funciona una cámara del 2020

En este 2020 nos encontramos con una cantidad de equipos nuevos y cámaras mirrorless super modernas que nos han llevado a tener una calidad de video e imagen fotográfica única. Vamos a dedicarle un importante espacio a este punto que en la actualidad nos genera muchas preguntas y creencias a la hora de dedicarnos a la fotografía.

Si vas a comprar una cámara te comento que no conozco la primera persona que al comprar una lea el manual para ver como se hacen las cosas mas habituales, la mayoría lo lee por encima y lo guarda en la caja de vuelta, ya que nos parece la cosa mas aburrida del mundo leer, mi consejo para ir conociendo el correcto funcionamiento de la cámara lee el manual de principio a fin, por que estas nuevas cámaras que hay en el Mercado literalmente dan unas imagines tan nítidas en fotos y videos que necesitaras saber para que es cada boton.

En teoría lo que ya todos sabemos una cámara fotográfica es toda aquella maquina capaz de plasmar luz en un soporte.

Actualmente la adquisición de dicho aparato va basado exclusivamente a nuestro presupuesto, para algunas personas son un equipo complicado del que solo necesitamos saber lo necesario para hacer una foto, para otros nuestra cámara es nuestro mayor tesoro. Voy a tratar de explicarte de forma sencilla la diferencia entre las mas populares actualmente. Por que hablar de esto? Por que así como ahora la gente cambia de celular cambia de cámaras! Y con el tiempo quiere mas y mas.

 

¿Qué es una cámara Mirrorless?

Leica fué la primera marca que se aventuró a integrar un sensor Full Frame a los sistemas mirrorless. Sin embargo, SONY, con su modelo a7 lanzado en el 2013 lleva la captura de fotos a un nuevo nivel.

A diferencia de las cámaras réflex digitales, que utilizan un espejo para reflejar la luz en un visor, las cámaras Mirrorless (también conocidas como cámaras compactas de sistema) no contienen un espejo ni un visor óptico, por lo que suelen ser más pequeñas que las réflex digitales. Las cámaras mirrorless (MILC, Mirrorless Interchangeable Lens Cameras -por sus siglas en inglés) son también llamadas EVIL (Electronic Viewfinder with Interchangeable Lens) y se trata de equipos que prescinden del sistema del pentaprisma, principal característico de las cámaras reflex (que por el origen de la palabra refiere “reflejo”).

El sistema de pentaprisma se creó con el objetivo de ver la imagen que vamos a capturar, corrigiendo errores de paralaje y la inversión creada en el lente. Pero cuando se trata de cámaras mirrorless todo cambia.

En lugar del sistema antes mencionado se cuenta con un visor electrónico con el que se prescinde del visor óptico y elimina, con ello, tanto los espejos como su parte mecánica y haciendo la cámara mucho más ligera y de menor dimensión.

Que buscan los usuarios de cámaras fotográficas? Cuerpos mas ligeros y funcionales, pero también cuenten con una buena variedad de objetivos.

Beneficios de las cámaras Mirrorless

Al eliminar el conjunto de espejos y sus elementos mecánicos tenemos por consecuencia la disminución del peso en la cámara y, a su vez, la reducción del espacio tanto en altura al eliminar el pentaprisma, como en espesor al poder reducir la distancia entre del sensor al objetivo.

Este cambio le da uno de las grandes ventajas a las cámaras mirrorless, por ejemplo mientras que la cámara de Canon DSLR 1DX Mark II pesa 1530 gramos y mide 158 x 168 x 83 mm, la Sony Sony A7R III sólo pesa 657 gramos y mide 127 x 96 x 74 mm. Una reducción importante en peso y en tamaño, lo que hace más sencilla su portabilidad. Para mi la Canon 1D es lo que yo llamo una camara de y para hombres.

Por otro lado, al eliminar el sistema mecánicos de retracción de espejo, la cámara tiene menos trepidación lo que hace que se obtengan imágenes más nítidas, los modelos que además cambian el disparador mecánico por uno electrónico crean cámaras silenciosas dando otro beneficio a los sistemas mirrorless, pues aumenta el nivel de discreción cuando se están tomando fotografías.

Otro de los grandes motivos por los que las cámaras mirrorless son tendencia es porque al no tener un sistema mecánico de levantamiento de espejo permite llegar a un número mucho más alto de disparos por segundo. Mientras que las cámaras DSRL top el número de disparos máximos llega 14 fps (frames per second), las opciones sin espejo ofrecen hasta 20 fps.

Ya que aprendistes el concepto y tienes conocimiento para presumirle a la modelo o a tu cliente cuando te pregunte por que tu camara es tan Chiquita? Te comento que a mi en particular me sigue gustando mi camara DSLR y en particular la 1D de Canon. Por que? Por que las modelos estan acostumbradas a escuchar ese sonido tan sabroso que produce el obturador cada vez que disparas y es el Q (tiempo indicativo) para cambiar su pose.

SONY a7

Diferencias entre las Cámaras DSRL y las Cámaras Mirroless

 

Elegir la Cámara

Existen todo tipo de cámaras y con ellas la creencia de que mientras mas costosas mejores resultados, en cierto modo esa creencia tiene mucho peso, ya que si tomamos por ejemplo en el caso de la Formula 1 existen muy buenos pilotos que no logran avanzar y ser mejores pilotos por no tener un mejor carro, no es lo mismos correr con un Volkswagen que con un Mercedes Benz! Por ejemplo. Sin embargo un buen retrato esta basado en el buen uso de la luz, un buen esquema de iluminación, un buen modelo que se conecte contigo a la hora de trabajar y un buen lente u objetivo.

En la siguiente imagen mostramos varios modelos de cámaras y de distintos tipos a modo de ejemplo sin que ello suponga recomendación ni menosprecio por las no mostradas.

En este particular te aconsejo que elijas la que te permita tu presupuesto, pero si puedes tener una cámara con objetivos intercambiables seria lo mas recomendable por aquello que “todo depende del lente con que se mire” que resulta ser cierto además de la perspectiva de donde la mires o de la composición que logres hacer dependiendo de cómo hagas tu encuadre. Además una cámara que te permita trabajar perfectamente tus conocimientos en modo Manual para hacer fotos creativas sobre la exposición y en menor medida sobre el enfoque.

Las cámaras réflex durante muchos anos han sido los modelos mas populares y accesibles en el mercado y actualmente con 450$ puedes obtener una buena cámara y empezar a retratar. Piensa siempre primero que uso le vas a dar a la cámara antes de comprar. ¿Que necesito en una cámara para lograr un buen retrato y que conocimientos debo tener claros a la hora de querer realizarlos?

Una cámara con objetivos como el 70-200 para distancias focales largas, tener conocimiento de la profundidad de campo y realizar un enfoque impecable en el sujeto. Un famoso fotógrafo citaba “si tiene ojos apunta siempre a los ojos” es la manera mas impecable para no equivocarte a la hora de enfocar.

También un buen lente 50 mm que te permita acercarte lo mas posible a el sujeto y dependiendo de la apertura del mismo utilizar la luz natural al máximo. En este sentido las cámaras nuevas son geniales para trabajar a poca luz, fotos nocturnas ya que tienen un valor alto de ISO, lo que casi no genera ruido.

Puedo seguir dándote ejemplos y consejos sobre cámaras pero ya cumplimos el objetivo principal de conocer las nuevas tecnologías en las mismas y que necesito tener realmente en cuanto a equipo se refiere a la hora de hacer un buen retrato.

De igual manera nunca esta demás refrescar todos esos conocimientos que vamos adquiriendo pero dejamos muchas veces a un lado con la necesidad de adaptarnos mas a las nuevas necesidades de estos tiempos modernos. Vamos a refrescar un poco el conocimiento sobre la luz y a aprender nuevos esquemas de iluminación. Recuerda que “Foto es luz” y no debes enfrascarte en solamente trabajar con luz natural si no que debes aprender a utilizar luz dura proveniente de flashes, lámparas, y a utilizar rebotadores ya que estas cámaras nuevas nos permiten trabajar a velocidades altísimas para obtener unas imágenes increíbles.

 

La luz y la fotografía.

Haremos un breve resumen de la importancia de la luz ya que es lo mas importante para un fotógrafo, repasando la diferencia entre luz incidente y luz reflectiva, eso nos ayudara mejor a entender el enfoque y la profundidad de campo. Una correcta exposición es básica y una iluminación adecuada determina en gran medida la calidad de una foto.

Sabias que aprendiendo a dominar la iluminación puedes aprender a hacer hasta un Anti retrato? Sabes que es?

Anti-retrato Si bien mantiene las reglas de composición de los retratos, el principal objetivo de este estilo es ocultar total o parcialmente el rostro. Interesante cierto?

Una manera mas concreta y rápida para llegar a realizar nuestros retratos rápidamente es recordar los elementos que intervienen en la exposición en forma de ecuación:

Apertura + Velocidad + Sensibilidad = Cantidad de luz

Para mi al tener esta ecuación grabada en tu mente y que tus manos y tus ojos la realicen de manera automática sin pensar es igual a “ya sabes hacer fotos” por que La palabra fotografía proviene del griego photos, que significa ‘luz’ y graphis, que significa ‘dibujo/escritura’. Por lo que el término ‘fotografía’ vendría a significar algo así como ‘escribir o pintar con luz’.

Triángulo de Exposición

Las variables que escojamos de estos tres parámetros también variarán según el tipo de retrato que queramos conseguir. Deberás tener en cuenta que modificarlos también afectará a otros aspectos, además de la exposición. Por lo tanto, el dominio de estas variables en fotografía será crucial tanto para la técnica como para la composición.

Pasemos directamente a los tipos de luz que tenemos para realizar un retrato.

En un principio todas las fotografías se realizaban con luz natural procedente del sol, ya fuera de manera directa, o indirecta, difuminada, dura, etc. Por el movimiento del sol, no se podía controlar el ángulo de la luz y la temperatura de la misma. Cuando aparecieron las primeras luces artificiales (Flashes), se pudo realizar un trabajo más cómodo y preciso.

 

TIPOS DE LUZ

Luz Directa: Es la luz que cae directamente del sol sobre el objeto en un día brillante. Produce gran contraste entre las áreas de sombra y las áreas claras. Se pueden crear volúmenes y texturas interesantes, dependiendo del ángulo . No es la más idónea para realizar retratos ya que produce sombras muy fuertes en el rostro de las personas.

En el estudio esta luz puede reemplazarse con un Flash al que le añadimos una campana con su panal de abeja para direccionarla mejor.

Luz Directa
Luz Directa: produce sombras fuertes y contrastantes.

Luz Difusa: Naturalmente se produce cuando el cielo está nublado. En vez de caer la luz directamente sobre el objeto, esta se dispersa y descompone haciendo los rayos de sol más suaves. Es ideal para hacer retratos ya que no crea sombras fuertes. No produce altos contrastes ni colores muy vivos pero es ideal para ver hasta el mínimo detalle ya que las sombras no se nos van a oscuridad completa. Dentro del estudio esta luz se puede emular al colocarle un Soft Box al Flash.

Luz Difusa
Luz Difusa: produce sombras suaves y menos

Luz Reflejada: Esta luz se crea cuando la luz se refleja sobre una superficie y rebota hacia el objeto. Es muy utilizada como luz de relleno para suavizar las sombras o para aclarar zonas muy oscuras. También se puede usar como luz principal ya que es una luz brillante con más vida que la luz difusa, pero menos fuerte que la luz directa. Naturalmente el agua, la nieve, la arena, son elementos reflectores.

En estudio se pueden utilizar Flash con Paraguas, y también podemos usar reflectores, láminas de foam, cartulina o cualquier superficie clara.

Luz Reflejada
Luz Reflejada: comúnmente utilizada como luz de Relleno, suaviza las sombras.

ILUMINANDO EN EL ESTUDIO A la hora de iluminar a una persona uno toma también decisiones en base a la forma del rostro de la persona, a las partes del cuerpo o cabello que queremos resaltar, si queremos una luz contrastante o mas bien suave, y es el momento de decidir que accesorios vamos a colocarle a los Flashes para lograrlo.

Luz Principal: Es la luz clave de la fotografía. Es la que usamos como luz guía al definir el valor de la exposición y a partir de ella proponemos los valores de las otras luces, en el caso de que hallan más de una.

Luz de Relleno: Luz secundaria que utilizamos para suavizar las sombras que nos deja la luz principal. Por lo general la colocamos cerca de la posición de la cámara para evitar crear otras sombras en el rostro de la persona. También es muy común usar un reflector en vez de otra luz para suavizar las sombras.

Contraluz: La utilizamos para separar a la persona del fondo, para delinear los bordes del cuerpo, o para destacar áreas específicas, como puede ser darle más brillo al cabello. Se colocan por detrás de la persona, y a un lado de esta.

Luz de fondo: como lo dice su nombre, se usa para iluminar el fondo. Se puede colocar justo detrás de la persona o a un lado. Nos ayuda a destacar al fondo. Que te pareció este pequeño repaso de la teoría? debes saberte estos conceptos de tal manera que tu cuerpo los ejecute automáticamente sin pensarlo, solo teniendo la idea de que retrato quiero hacer intuitivamente prepararas tu set en un dos por tres.

Ahora veamos algunos de mis retratos basados en los conceptos repasados aplicando mis propias técnicas y trucos para perfeccionar mas el concepto.

Luz directa del sol con relleno de flash a 45 grados.

En los siguientes ejemplos trata de encontrar la dirección de donde viene la luz de relleno que proviene de las lámparas utilizadas, trata de diferenciar la luz incidente de la luz reflectiva, no es tan complicado ya que posees los conocimientos y acabamos de refrescarlos.

  • Luz directa del sol sin ningún tipo de relleno
  • Luz directa desde una lámpara con beauty dish
  • Luz difusa en estudio, desde una lámpara con un soft box octobox

Con la magia de las redes sociales en este caso YouTube, podemos también disfrutar de un video back stage realizado en una de mis sesiones de retratos para un estudio de belleza, donde se necesitaba específicamente mostrar los peinados y el detalle de los diferentes estilos de maquillaje realizado por los estilistas. Abajo les dejo el link, disfrútenlo:

Este fue el esquema de iluminación de el video y la foto anterior una lámpara a 45 con beauty dish, una lámpara cenital con campana y una lámpara contra el fondo.

Cómo aplicar la teoría en la practica

Quiero mostrarte como yo utilizo estos conocimientos y luego de años de ensayo y error he logrado retratos increíbles. Esta pendiente de los tips que te daré para aprovechar las facilidades que existen actualmente en el mercado.

Primero te mostrare de manera sencilla, como aplicar la teoría en la practica trabajando en el estudio con lo que tengamos a disposición, ya que suponemos que eres un fotógrafo aficionado o tal vez avanzado que quiere aprender a mejorar tu técnica y simplificarte la vida. Busca la ayuda de algún colega que te permita usar algunos de sus equipos, ofrécele para practicar juntos, o también actualmente existe la facilidad de alquilar un estudio con equipos fotográficos y así en vez de comenzar a gastar en equipos baratos que vas a querer cambiar muy pronto, ahorras dinero alquilando por horas el estudio y usas equipos que por lo general son gama alta. Si logras vender tus trabajos iniciales vas reuniendo para comprarte ese lente nuevo que deseas, seamless paper o ese flash de gama alta que tanto quieres.

Existen muchas formas de crear iluminaciones muy interesantes y sorprendentes, pero aquí nos vamos a referir a las más básicas y efectivas, de uso regular en el día a día.

Retrato Básico: En términos generales lo que buscamos es que nuestra modelo se vea casi perfecta, Una iluminación sencilla seria colocar un soft box frente a modelo por encima de la cabeza, yo siempre le pido al modelo extienda su brazo y coloco la lámpara donde termina su mano (que no toque su mano). Utilizamos un rebotador por debajo del sujeto para suavizar las sombras que se produzcan en su cuello y nariz, si no tienes un rebotador usa una lamina de anime (foam) blanco. El rebotador puede ser reemplazado por otro flash como relleno en caso de que tengas varias lámparas o flashes.

Retrato Rembrandt Ubica que el flash esta colocado según el dibujo a 45

Aplica tu propia estrategia de ensayo y error y utiliza todo lo que tengas a disposición.

Rembrandt Difusa con relleno

Otra iluminación para retrato básico que uso constantemente pero con rebotador:

Soft box a 45 con relleno de rebotador plateado

Beauty Light con luz de fondo: igual al mismo modelo de arriba, podemos colocarle dos luces al fondo. Asi vamos a eliminar la sombra que puede estar ocasionando la persona por detrás.

Colocaremos dos soft box o campanas con su honey comb para direccionar la luz y le agregaremos los barn doors para que la luz no invada a la persona. Si es necesario colocaremos una bandera negra al Soft Box (puede ser un foam pintado de negro), para que la luz principal no invada el fondo. El ratio entre la luz principal y la luz de fondo puede ser la misma. Ratio 1:1.

Beauty light con luz de fondo

Glam: Una luz súper llena de vida. Usada para delinear la silueta del modelo al igual que por añadirle brillo a su cabello. Recuerdas el video que te coloque arriba? Así nos ahorramos el colocarte un esquema acá y no es tan divertido. Es el mejor ejemplo. Podemos usar una luz de relleno con un paraguas para darle más vida a las áreas de sombra. El Ratio entre la luz principal y la de relleno es de 2:1. Las luces en contraluz llevan la misma relación que la luz principal 1:1.

High KeyLight: iluminación usada para que todo el fondo y el piso se vea blanco total (usando igual seamless paper o tela blanca). Se usa mucho en fotos de modelaje ya que no distrae la atención de el modelo. Aparte es muy eficaz cuando los diseñadores van a recortar al modelo del fondo para crear un arte. La relación de las luces de fondo con respecto a la luz principal es de 2:1, es decir, debemos estar un paso por encima de la luz principal para que todo se vea blanco. Igual podemos usar una luz de relleno que se encuentre preferiblemente a un paso por debajo de la luz principal. Consejo efectivo trata colocar banderas para que la luz reflectante del fondo no invada al modelo y dañe la textura o sombras de tu modelo.

Entiende que la medida de la luz principal es primordial para no quemar tu modelo y lograr ese efecto deseado, actualmente los modelos nuevos de cámaras y flashes nos permiten dispara a velocidades altísimas y así balanceamos mejor la luz de rostro.

Esquema del High Key light.

Low Key Light: Mi preferido en retratos, el propósito de esta iluminación es dejar al modelo completamente rodeado de zonas oscuras para que destaque. Se usa mucho en desnudos artísticos ya que podemos crear el efecto de hacer que áreas del cuerpo se pierdan con el fondo. Usa un fondo negro, tela, papel o una pared pintada de negro para poder lograr este efecto. Toma en consideración que el color negro se traga la luz literalmente hablando. Igual podemos usar contraluces para separar el cabello del fondo (en caso de que tuviese cabello oscuro) y delinear los contornos del cuerpo. Es muy importante todas las luces poder dirigirlas bien y usar banderas para que la luz no invada el fondo. La relación de Ratio entre las luces puede ser la misma 1:1. El fondo con respecto a la luz si debe ser de por lo menos 4:1.

Low key light básico low key light con relleno cenital y de espalda al modelo

Que tal vas hasta ahora? No es que descubrimos la rueda, estamos refrescando y aprendiendo en el caso de los que nunca han trabajado con iluminación dura.

Aunque estos esquemas que muestro son una manera universal de realizar un retrato, son alguna de las formas de más uso dentro de un estudio fotográfico para iluminar un modelo. Pero según la idea que desean crear podemos realizar variaciones al respecto. Es ensayo y error, práctica, pero siempre teniendo en cuenta que la luz no sólo produce puntos claros, sino también sombras, así mismo aumenta o disminuye volúmenes y resaltamos o minimizamos texturas.

Composición

Aun quedan muchas fotos por hacer e infinitas posibilidades en cuanto a “todo depende de quien y como lo mire” por eso decimos que No existen reglas estrictas en cuanto a la composición fotográfica pero si hay unas reglas básicas que tienes que respetar y saber cuando debes aplicarlas y cuando no. Vamos a trabajar la composición en base a fotos que queremos vender y publicar en nuestro portfolio para darnos a conocer mucho mas e ir diferenciándonos de los demás fotógrafos. Preguntas como debo incluir en el retrato los accesorios? O realmente necesito que se vean los zarcillos, las manos o necesito colocarle un pañuelo en el cabello? Todos estos elementos resultan ser una parte importante en lo que será nuestra composición, repasemos brevemente la teoría.

En la composición todo esta sujeto a que queremos transmitir en el retrato con cada fotografía, además de la necesidad del cliente, por ejemplo si estamos haciendo retratos de moda, necesitamos tener armonía y equilibrio entre la modelo, su estilo y lo que lleva puesto que suponemos nuestro cliente es lo que mas desea resaltar, por eso el primer paso en la composición de las fotografías en este ejemplo en particular es buscar una modelo que se adapte a el diseño, al estilo del cliente y por supuesto al resultado quiere obtener. Estos son consejos en base a mi experiencia en particular en editoriales.

Siempre hay una foto que nos gusta mas a nosotros pero a nuestro cliente le termina gustando mas otra, inicialmente no somos capaces de explicar por que nos gusta mas una de ellas, pero si la analizamos un poco mas terminamos por encontrar los motivos, aquí voy a tratar de explicarte un poco mas.

Por ejemplo ¿cuál de estos dos encuadres te gusta mas?

Nuestra primera pregunta antes de decidirnos a tomar una foto por algún motivo concreto es desde que posición la hacemos, que elementos del escenario vamos a captar, que objetivo vamos a utilizar, desde donde viene la luz, si utilizamos o no flash, la distribución de los colores, donde situamos a las personas, como las situamos, etc. Todos estos elementos determinan lo que podemos llamar composición.

El concepto que aparece estar estrechamente relacionado al hablar de composición y que en ocasiones puede parecer lo mismo es el encuadre. En un retrato tenemos menos posibilidades de composición que en un bodegón por ejemplo. En un bodegón podemos elegir los elementos y la posición, en el retrato la composición dependerá de que tan cerrado o abierto sea el mismo (si es retrato medio, head shoot o plano americano), pero tenemos infinitas posibilidades de encuadre en un retrato abierto.

El encuadre determina la porción de la composición que aparecerá en la fotografía. Primero realizamos el proceso visual y mental de la composición, y al final encuadramos y disparamos. Actualmente nuestros clientes nos envían referencias, y cuando nosotros deseamos hacer fotografías por nuestro propio concepto son las modelos las que solicitan las referencias.

Mi consejo es que cuando veas trabajos de otros artistas y quieras hacer el mismo concepto tengas claro primero que harás para diferenciarte y no hacer una copia exacta del que vistes en redes sociales.

Al hablar de encuadre tenemos formato y plano.

El formato mas utilizado en los retratos es el vertical, aun que también utilizamos el horizontal y en caso de ser una sola persona o modelo a retratar debemos aplicar la regla de Tercios.

El Plano puede ser primer plano, plano medio, plano general,…en nuestro caso nos referimos a personas y el plano indica un encuadre de la zona de la cabeza, del torso o del cuerpo completo respectivamente (tipos de retratos). Aunque el plano puede referirse a cualquier composición, sea o no de personas.

Muchas veces no tenemos tiempo de pensar bien antes de disparar por diferentes situaciones y no podemos modificar los elementos de la escena, o no podemos cambiar la posición desde la que haremos la fotografía. Eso nos lleva a realizar una segunda o muchas fotos mas (yo hago como 10) donde cambiaremos lo que no nos gusto en la anterior. Habitualmente una buena foto viene precedida de esta pregunta ¿Que quiero transmitir con mi foto? En otros casos será una gran foto por casualidad o por instinto y conocimiento, de ahí el que tengamos que conocer muy bien y repasar tanto la teoría.

En resumen debemos decidir primero que elementos queremos fotografiar y luego decidimos como van a aparecer distribuidos en la foto. Desde el punto de vista de cómo queremos que aparezcan los elementos de la composición en el encuadre podemos hablar de varios factores que lo configuran: El punto de disparo, el ángulo y la distancia focal.

Nuestra composición la decidimos cuando sabemos que elementos vamos a incluir en nuestra foto y suele ser una decisión previa a la elección del punto de disparo y del ángulo. Mira estos dos ejemplos donde en el primero la composición va ligada a los accesorios.

Aunque la composición es un conjunto que debe tratarse como unidad, vamos a analizar para explicar ordenadamente varios de sus componentes pero siempre teniendo en mente que unos aspectos van ligados a otros.

Sujeto principal y fondo. Normalmente lo que nos motiva a realizar una foto es un sujeto concreto, algo que queremos resaltar, el alma de la foto es el sujeto principal.

El fondo es lo que hay alrededor o detrás del sujeto principal. Cuando realizamos la composición hay que evitar que el sujeto principal quede perdido entre elementos insustanciales de la escena.

Para lograr esto las herramientas que usaremos son el encuadre y el enfoque. Con el encuadre podemos reservar el mejor sitio de la foto para el sujeto principal, tanto en tamaño como en posición. A la vez, el encuadre permite sacar los elementos accesorios del espacio de la foto.

A mi en particular me gusta hacer retratos con el lente 70-200mm ya que en muchas ocasiones la forma mas efectiva de fijar el sujeto principal es desenfocando el resto de la escena. El ejemplo mas claro es un retrato en primer plano.

Fíjate en el desenfoque de el fondo en el retrato anterior, no hay nada que distraiga la atención de la modelo, el fondo esta desenfocado y el encuadre sitúa e la modelo principal ocupando la mayor parte de la escena. Colocar algo desenfocado en primer plano, en la parte inferior de la imagen o en un lateral, puede ayudar a dar profundidad a la imagen.

En otras ocasiones un fondo bien enfocado y homogéneo puede ayudar a colocar en su entorno al motivo principal (foto mostrada a continuación). Muy relacionado con el enfoque esta la profundidad de campo que nos permite tener varios planos enfocados a la vez.

Para lograr dar la sensación de volumen y profundidad a el retrato al realizar la composición del mismo debemos tener en cuenta que nosotros vemos la escena en tres dimensiones pero en la foto solo hay dos dimensiones. Tenemos que disponer de varios recursos como son:

Las líneas en diagonal contribuyen a dar profundidad a la escena, ejemplo en la foto anterior, las líneas del piso, de los cristales que llegan hasta el horizonte son las que nos dan esa profundidad. En cambio las líneas horizontales paralelas dan sensación de poca profundidad.

Veamos otro video back stage donde nos tomamos el tiempo para armar una composición llena de elementos naturales como hojas y flores, en esta producción editorial realizada para la revista Ellas de Panamá la idea fue elaborar retratos de plano medio para mostrar las combinaciones de moda en el uso de vestuario con telas animal print. Observa que ningún elemento de la composición le roba protagonismo a la modelo y su vestuario. Recuerda llenarte de trucos que veas en el mismo, disfrútalo.

También puedes analizar las fotos y la iluminación.

El equilibrio en la composición es un concepto importante pero difícil de definir. Para que una foto sea buena debe ser equilibrada, debe quedar bien en su conjunto. Si hay algún elemento que desentona diremos que la foto esta desequilibrada.

El equilibrio tiene muchos componentes, entre ellos, la emoción, el espacio y el color.

Emoción es el impacto que puede transmitir, las situaciones inusuales provocan gran impacto, como en las fotos anteriores no encuentras en la jungla una chica en chaleco naranja o traje de baño lo que resulta impactante en una portada de revista. Recuerda que los rostros transmiten emociones fuertes, sobre todo los ojos; un rostro donde no se vean bien los ojos pierde gran parte de su expresividad.

No te olvides que un elemento de pequeño tamaño puede provocar una emoción fuerte y esto hay que tenerlo en cuenta al equilibrar la composición.

Este retrato esta equilibrado en varios aspectos. El sujeto principal esta bien definido y no hay elementos que distraigan la atención, a ello también contribuye el fondo desenfocado. El elemento mas interesante (los ojos) esta situado en un punto fuerte según la ley de los tercios. Esto es el elemento espacio aunque el que ve la foto se fija en primer lugar en los ojos de la modelo, el vestido y las pulseras son interesantes y contribuyen a equilibrar la foto.

Por ultimo los colores también están equilibrados ya que el fondo oscuro resalta el color del vestido y la piel de la modelo y los toques amarillos de los accesorios da un poco de alegría sin resultar excesivo.

Puedes ver que en cada uno de los retratos que te he mostrado los cuales han sido realizados a lo largo de mi carrera, han funcionado para hacerte entender los pasos mas importantes y necesarios para lograr un gran retrato, además de la teoría y reglas de la fotografía, pero a la vez llevan esos tips que te facilitan hacer un retrato que a los fotógrafos de vieja escuela nos tomaba anteriormente horas en componer.

Es decir, ya tu sub consiente lleno de estos conocimientos, después de haber analizado los videos de back stage , los gráficos sobre luz directa e incidente, puedes empezar a corregir los errores que venias cometiendo y aprendiendo a conocer los equipos que posees puedes ponerte a practicar y mejorar tu técnica.

Voy a enseñarte algunos trucos para lograr equilibrio del espacio.

Recuerda que para mantener el equilibrio no debes exagerar, hay que resaltar el sujeto, pero sin exagerar, siempre mantén el equilibrio entre las dimensiones de la foto y el sujeto. En un fondo neutro l idea principal es tomar el sujeto lo mas grande posible y reducir el fondo.

Por ejemplo en este retrato el sujeto esta demasiado cerca de los bordes de la foto. Si estuviésemos hablando de un texto diríamos que no hay “margen” entre el texto y el borde del papel.

Si damos mas espacio o “margen” entre la modelo y el borde de la foto el conjunto queda mas equilibrado.

Veamos ahora el equilibrio en el color, algo vital en el equilibrio del retrato.

Todos los colores tienen unas reglas para combinarlos que conviene conocer, también un significado emocional que influye en el equilibrio de la composición. Un retrato puede contener colores fuertes y estar bien equilibrados, por otro lado, una foto puede tener colores suaves pero resultar discordantes.

Fíjate en este ejemplo en el equilibrio de una foto con un color predominante pero con diferentes tonos de ese color, tenemos tres zonas diferenciadas en cuanto al color y a las formas: las sillas, la pared y la modelo que esta vestida con tonos donde todos los colores combinan. Aquí falta el equilibrio por que las sillas y la pared ocupan muy poco espacio y la modelo demasiado.

Si desplazamos el encuadre para aumentar la zona de la pared y las escaleras, mejora el equilibrio entre los tonos de todos los componentes de la imagen y tenemos mas información, teniendo en cuenta que es un retrato de modas (fashion photography).

Hasta acá ya hemos cubierto el equilibrio en el retrato en cuanto a Espacio y Color cierto? Hagamos un paréntesis para ver un video donde la emoción transmitida por la modelo es lo que finalmente te lleva a lograr un retrato inolvidable para ti, que generara impacto en tu grilla de instagram y te dejara un cliente completamente feliz.

Que te pareció Maira, Increíble cierto? Esa misma conexión es la que tu debes conseguir con tu modelo para hacer buenos retratos, ahora si quieres llevarlo a un nivel extremo y conseguir expresiones realmente impactantes te doy mis trucos de dirección de la modelo donde puedes jugar a hacer fotos con drama, mira el siguiente video y te enseño que tienes que decirle y como tienes que llevarla para que ella de las expresiones que necesitas.

Acabas de ver una top model actuar en un shoot, eso fue lo que ella hizo… actuar! sintiendo drama, tristeza, rabia, son emociones que le dan equilibrio a tu retrato. Pasemos a un ejemplo corto de retratos en ropa intima donde te mostrare como trabajar con una modelo y necesitas obtener sensualidad.

Terminemos de conversar sobre las reglas básicas de la composición y pasamos al tema de cómo trabajar con una modelo para lograr esa conexión necesaria Fotógrafo/modelo.

Regla de los tercios

A la hora de realizar la composición y el encuadre la regla de los tercios es una de las mas aceptadas.

Existe toda una teoría sobre la proporción, incluyendo al numero aúreo, que viene utilizándose desde los griegos. Esa teoría sirve para justificar la ley de tercios que aquí vamos a ver basándonos en un ejemplo.

En esta imagen hemos fijado los ojos de la niña en el punto 1

Ahora quiero preguntarte en las siguientes imágenes cual te gusta mas?

A:1

A:2

Si tu respuesta ha sido la A1 Es por que te gustan mas las fotos centradas, si tu respuesta ha sido la A2 se debe a que cumple con la ley de tercios.

Por ultimo y para no extendernos, aunque pienso que hasta aquí te he mostrado material para tenerte pegado sin querer dejar de absorber conocimiento hablaremos de la regla del horizonte y su importancia en la composición.

Regla del horizonte Aconseja colocar la línea del horizonte en el tercio superior de la escena, y evitar colocarla en el medio, para el caso de cielos interesantes se puede colocar en el tercio inferior. Te muestro un ejemplo donde el fondo es homogéneo y no aporta nada especial a la escena, lo que hace en ocasiones que se vean desequilibradas.

Por ejemplo en esta foto no se cumple esa ley puesto que el horizonte queda en la mitad de a foto y el cielo ocupa demasiado espacio.

En la siguiente foto la línea del horizonte en el tercio superior de la escena.

Cuando tenemos un cielo sin nubes hay que evitar que ocupe mucho espacio, el truco esta en que nuestro sujeto ocupe la mitad de la escena.

Como acabamos de ver, si el cielo es homogéneo la regla del horizonte es bastante lógica, en cambio con un cielo con nubes como cambia la cosa. Ahora si a ti te gustan las nubes y quieres saltarte la regla de tercios es cosa tuya. Pero no puedes saltarte algo bastante obvio: el horizonte debe quedar horizontal, no debe quedar inclinado. Si el horizonte esta formado por agua (el mar, un lago, etc.) queda fatal que este inclinado. Te muestro un ejemplo de cómo arruinar una buena foto con el horizonte caído.

Otra regla que yo aplico sin descanso en mis retratos y que para mi es indispensable para distinguirlos de los demás es la regla de la mirada. Dice que conviene dejar más espacio en la parte donde “mira”. Esta regla no solo se refiere a personas o animales que miran hacia un solo lado, también se refiere a cualquier objeto que tiene una orientación.

Mas espacio

Menos espacio

En estos dos ejemplo lo vistes mas claro. Corrigiendo estos factores obtenemos este encuadre que es mas natural.

Te muestro dos ejemplos más ya que este punto es importante, si recuerdas que al principio hablamos de trucos para realzar tu retrato? Fíjate cómo una mirada deja la foto mas centrada.

En principio la modelo parece no estar bien centrada, pero si tenemos en cuenta la regla de la mirada, puesto que la chica mira a la izquierda podemos dejar mas aire de ese lado. Mientras que la siguiente foto, como ella mira hacia la cámara podríamos dejar la foto mas centrada.

Otra situación que hace una foto impactante es el efecto “acción” donde es extremadamente importante el efecto “mirada”.

El encuadre en la primera foto esta excelente, pero mira el desequilibrio que te da la segunda foto, esto se debe a que a la hora de tomar la foto el fotógrafo esta fuera de sitio, esto se llama El punto de disparo.

El punto disparo es el lugar donde nos colocaremos para hacer la foto. Una vez hemos decidido hacer la foto de una escena, colocarnos en el mejor lugar es importante.

El punto de disparo junto con la distancia focal del objetivo determinará el ángulo que vamos a captar de la escena. Todo depende también de el lente que dispongas, si tienes un 28 mm. Captaras un amplio ángulo de la imagen, mientras que con un tele o un 70-200 mm. captaras un ángulo pequeño. Cuanto mayor distancia focal, menor ángulo captaremos.

Otra regla de oro siempre en mi bolsillo es acércate lo mas que puedas a tu modelo!

Parece eterno el tema de la composición cierto? Lo que no te has dado cuenta por lo atento que has estado es la cantidad de reglas que hemos estudiado, los tips que te he dado vitales a la hora de tomar una foto sobre todo para nivel comercial, o como crees que después de años como fotógrafo por hobby me convertí en fotógrafo profesional viviendo por 10 años de la fotografía?.

Una vez hemos fijado el punto de disparo podemos colocar la cámara en distintas posiciones respecto al sujeto o escena que vamos a fotografiar. Podemos colocar la cámara a ras del suelo, fotografiar desde la parte superior, acercar mas o menos la cámara al sujeto, etc. A esto lo llamamos ángulo de disparo relativo de la cámara respecto al sujeto, aunque también se le puede llamar posición de la cámara respecto al sujeto.

En fotografía se utiliza la siguiente nomenclatura para nombrar los diferentes ángulos.

Angulo a nivel, cuando la cámara esta a la misma altura del sujeto.

Angulo en picado, cuando la cámara esta mas alta que el objeto, es decir, fotografiamos desde arriba, particularmente no me gusta por que hace ver mas pequeño al sujeto.

Angulo en contrapicado, cuando la cámara esta mas baja que el objeto, es decir, fotografiamos desde abajo, suele ser mi preferida en planos medios y enteros.

Angulo cenital, cuando la cámara esta justo encima del objeto, es decir, fotografiamos como si estuviéramos por encima del sujeto.

Con Todos estos cambios de ángulo de disparo relativo podemos conseguir muy diferentes efectos según cada caso concreto, veamos unos ejemplos. Fíjate bien las diferencias y escoge tu estilo favorito para fijar tu punto de disparo.

Angulo a Nivel Ángulo en Picado

Angulo en Contrapicado Angulo cenital

A nivel del piso

Enfoque y Profundidad de Campo

Para que se vea nítida la parte del sujeto que nos interesa debemos enfocar. El primer paso para hacer una buena foto es enfocarla bien, el segundo seria exponerla bien. Si enfocamos mal no hay forma de corregirlo mientras que la exposición tiene mas margen de corrección.

Tu decides si quieres usar el modo enfoque manual de tu cámara o el enfoque automático, yo particularmente uso el enfoque automático por aquello de la rapidez y precisión, también uso el (modo liveView) . Esas decimas de segundo de diferencia en enfocar pueden suponer que muchas fotos se nos escapen si nos ponemos a perder el tiempo enfocando manualmente. No me pondré a explicarte las diferencias técnicas por que no es lo que necesitamos, queremos aprender rápido y salir ya a disparar.

Hablemos de cómo lograr un rápido y exacto enfoque utilizando el modo automático. El enfoque automático es un sistema basado en el análisis de imagen que consigue determinar en que momento la imagen esta enfocada.

Cuando pulsamos el disparador hasta la mitad de su recorrido, el enfoque automático entra en acción hasta lograr la zona central de la escena, en ese momento podemos pulsar hasta el final para realizar la foto. Sabes el pito que hace la cámara para avisarnos que el enfoque es correcto? Bueno préstale atención a donde queda el punto rojo en el visor por que donde lo tengas ahí será tu punto de enfoque.

Fíjate en al enfocar exactamente el rostro la mano se va a desenfoque aun estando en primer plano.

Utiliza la selección del punto único en la zona de enfoque, para mi es mas fácil dar con los ojos que es a donde siempre apunto. Toma en cuenta que es lo mismo enfocar objetos fijos y en movimiento. Conviene experimentar todos los modos y zonas de enfoque y cual de ellos se adapta mas a tu estilo.

Cuando realizamos una fotografía enfocamos sobre un plano de la escena pero la zona que queda bien enfocada se extiende por delante y por detrás de ese plano, esa zona que parece nítida en la foto es lo que llamamos profundidad de campo.

Si quieres el termino mas técnico diríamos que la profundidad de campo es la distancia que hay entre el plano mas cercano a la cámara que esta razonablemente bien enfocado y el plano mas lejano que también esta razonablemente bien enfocado.

Desde el punto de vista practico lo que mas nos interesa es que la profundidad de campo no es fija, y podemos ampliarla o reducirla según nuestros intereses. Para ello debemos actuar sobre los tres factores que la determinan: la apertura del diafragma la distancia focal del objetivo, y la distancia de enfoque.

Facil! Y algo que inconscientemente llevamos a la practica diariamente.

Apertura del diafragma

Cuanto mas cerrado este el diafragma (numero F mas alto) mayor profundidad de campo.

A menor distancia focal mayor profundidad de campo.

Puedes apilar varias baterías y practicar la profundidad de campo enfocando las del medio y luego las primeras contrarias a tu posición de disparo.

No colocare el típico ejemplo de el letrero y como funciona la profundidad en uno, ya que dudo que en todos tus años de trabajo le tomes una foto a un letrero.

De los tres factores que acabos de ver podemos decir que el factor que mas influye es la distancia focal, seguido de la distancia de enfoque y por ultimo la apertura del diafragma. Sin embargo, en la practica, el factor que mas se usa para variar la profundidad de campo es la apertura. A la hora de hacer una foto es lo mas fácil y rápido, por eso es así, para mi los otros dos factores son mas de composición.

Si vamos a hacer un retrato de un grupo de personas al aire libre ocurre algo parecido por que una vez encontrado el encuadre adecuado con la distancia focal fijada, la distancia de enfoque vendrá también fijada por la posición de las personas, sin embargo nada impide variar unos pasos el valor del diafragma (es cierto que si hay poca luz y si cerramos mucho el diafragma necesitaremos un trípode o subir el iso).

Si no contamos con un 70-200 u objetivo zoom no podremos variar la distancia focal.

Podemos seguir presumiendo de nuestros conocimientos hablando del concepto de la distancia Hiperfocal, que esta muy ligado a la profundidad de campo. Que no es mas que la distancia de enfoque a la que se consigue mayor profundidad de campo. En un lenguaje mas sencillo es la distancia a la que están enfocados el infinito y el objeto mas cercano posible. Recuerda que lo optimo no es lo posible muchas veces, y el ejemplo es si necesitamos mas profundidad de campo también necesitamos disponer de cierta cantidad de luz para poder cerrar el diafragma y a veces, eso no es posible. O al cerrar el diafragma tenemos que disminuir la velocidad para mantener correcta la exposición, y eso hace que la foto salga movida por que no tenemos ni trípode, ni lugar donde apoyar la cámara.

Observa en este grupo la distancia de enfoque

En ambas pasarelas y en la foto del grupo puedes observar claramente los puntos que hemos estado estudiando.

En las pasarelas al usar un 70-200mm se reduce la profundidad de campo. En ciertas fotos esto puede ser positivo si el fondo no nos aporta nada, así nos centramos en el motivo principal. En ambos casos si nos fijamos bien en el suelo se parecía claramente la zona que esta enfocada, en la que esta la modelo, y la zona, por tanto por delante como por detrás que esta desenfocada. Esta situación da un cierto volumen a la foto.

De hecho lo único que verdaderamente importa del enfoque es que el motivo principal o el sujeto este bien enfocado, si el resto esta mas o menos enfocado tiene menos importancia.

Para calcular la distancia hiperfocal existen tablas, hay aplicaciones para teléfonos y hasta paginas que la calculan. Pero en el momento de hacer la foto podemos buscar la distancia hiperfocal de forma aproximada con este método:

Enfocamos a infinito y vamos enfocando mas cerca hasta que el infinito deje de estar enfocado, volvemos un poco hacia atrás para enfocar de nuevo infinito, y ya tendremos la distancia hiperfocal.
Acuérdate de usar el botón de pre visualización de profundidad de campo. Por ultimo la distancia hiperfocal no quiere decir que todo el espacio este perfectamente enfocado, sino con un valor aceptable de nitidez, por lo tanto no es un dato exacto, pero hay un margen para considerar si un objeto esta suficientemente bien enfocado, fíjate las fotos anteriores.

Antes de hacer un rápido repaso de algunos términos te invito a ver el siguiente video backstage de un photoshoot para un catalogo de trajes de baño. Para realizar todas las fotografías utilice una lámpara Allien Bee con un beauty dish, colocada sobre un trípode estilo Jirafa (de altura variable), como la luz del sol variaba constantemente, no utilice rebotador si no que fui controlando la intensidad de la luz según la hora del día y a donde estaba orientado el sol.

A pesar de ser una producción grande no había tanto presupuesto mis asistentes estaban ocupados con otras cosas y tuve que valerme por mi mismo para cubrir las sombras en la cara de la modelo, disfruta de la producción y un poco mas de backstage:

Tenemos varios factores que influyen en la nitidez de una foto. El enfoque, la profundidad de campo, la trepidación, el movimiento, la sensibilidad ISO, la calidad y la resolución seleccionada, la óptica, el sensor y la luz. Repasemos estos términos rápidamente ya que son super importantes y créeme, a estas alturas ya debes haberlos olvidado.

Enfoque y Profundidad de campo determinan la zona de la imagen que esta dentro de foco (enfocada).

Trepidación Es el movimiento que sufre la cámara mientras el obturador esta abierto. Cuanto mejor sujetemos la cámara, mas nítida saldrá la foto. Esta claro que a mayor velocidad la trepidación afecta menos a la nitidez, los flashes actuales tienen tanto.

poder y tecnología que al utilizarlos junto a una cámara mirrorles puedes disparar a velocidades altísimas, dándole a la foto una resolución impecable.

El movimiento de los elementos de la escena afecta a la nitidez. Cuanto menos se muevan, mas nítida saldrá la foto. Ocurre como con la trepidación, cuanta mas alta sea la velocidad de disparo y menor la distancia focal, menos afecta el movimiento a la nitidez.

Cuanto mas alta sea la sensibilidad ISO seleccionada al realizar la foto, menos nítida será la foto, aun que las cámaras actuales permiten un ISO tan alto que no afecta tanto las fotos a poca luz.

Dependiendo de la cámara podemos seleccionar varias calidades y tamaños de imagen. A máxima calidad y tamaño, menor nitidez, por eso amigo, amiga dispara siempre en RAW.

Optica del objetivo Influye en la nitidez final de la fotografía. También es recomendable utilizar diafragmas medios (f8) para aumentar la nitidez.

En las cámaras nuevas DSlR o Mirrorles por igual la calidad, resolución y el tamaño del sensor tienen gran importancia en la nitidez. En general mientras mas grande es el sensor, mas nitidez. Sensores del mismo tamaño pueden tener diferente resolución según el numero de foto sensores que incorporen. La calidad constructiva y la tecnología del sensor también tienen un influencia en la nitidez.

La calidad e intensidad de la luz existente al realizar la fotografía influyen en la nitidez. Con poca luz la nitidez baja, con buena luz la nitidez aumenta.

El contraste influye en la nitidez, cuanto mas contraste, mas nitidez.

La dirección y la calidad de la luz influye en el contraste. La luz del sol puedes usarla de 6:00 am a 10:00 am o de 5:00 pm hasta que tengas sol.

Si vas a trabajar con un atardecer espectacular en el fondo te aconsejo ilumines tu modelo con un flash y luz fuerte, el atardecer resaltara increíblemente y tendrás una foto como en 3D.

Resumiendo: No todos estos factores influyen igual, hay algunos sobre los que no podemos hacer nada después de comprar la cámara, como el sensor y la óptica; otros son fáciles de elegir, ISO mínimo y resolución máxima; otros dependen de cada situación, como el movimiento dentro de la escena y la iluminación; al final nos quedan los dos factores que mas dependen del fotógrafo, enfocar bien y sujetar firmemente la cámara.

Cuando no sea necesario tener mucha profundidad de campo es conveniente aumentar la velocidad para minimizar la trepidación.

En muchas ocasiones, al mirar la foto recién hecha en el view finder de la cámara parece nítida pero al verla en el ordenador vemos que no es así, conviene usar el zoom del view finder para comprobar la nitidez nada mas hacer la foto y realizar otra toma si fuera necesario.

En las fotos anteriores tenemos el sol de espalda a su máximo esplendor, en la primera iluminamos con una lámpara y un soft box colocada sobre un trípode lo suficientemente alta para cubrir el salto, un 70-200 mm y un disparo a 200/100 con un f/16.

En la segunda iluminamos con un flash desde abajo (colocada en la esquina de la mesa del lado izquierdo de la modelo (nuestra derecha viendo la foto de frente). Observa los resultados de rellenar luz natural con luz artificial.

Acercarse

Si tienes un objetivo de encuadre amplio como tienen una distancia mínima de enfoque muy baja y una profundidad de campo alta permiten acercarse mucho a los sujetos, lo cual da imágenes mas vistosas como la anterior. Comprueba la diferencia entre acercarse mucho al sujeto o fotografiarlo a mas distancia.

Los tele objetivos cortos van muy bien para retratos por que desenfocan un poco el fondo, no distorsionan las caras como un gran angular, y ayudan a que el modelo este mas relajado al no tener la cámara tan cerca o no darse cuenta que lo están fotografiando. Un 85 mm. Es adecuado para retratos de medio cuerpo. Mi favorito y el que siempre les hago mayor referencia y aconsejo que mas usen en retratos es el 200mm. Fíjate que los puntos que mas repito son por su uso común, lo adecuado que es para estos tiempos, lo practico y versátil, además puedes apreciar los resultados.

Efecto del objetivo en la perspectiva

Se dice que una fotografía capta la realidad tal cual es, como vemos con nuestros ojos. Sin embargo una foto no es idéntica a lo que ven nuestros ojos por dos motivos principales.

El primero es que la luz se proyecta en nuestro ojo sobre una superficie curva (la retina), mientras que en la cámara se proyecta cobre una superficie plana (el sensor) y esto tiene consecuencias geométricas importantes en las que no podemos entrar en este curso.

El segundo es que nosotros vemos dos imágenes superpuestas, una de cada ojo y procesadas por el cerebro. No vemos la imagen de la retina sino el resultado después que nuestro cerebro procese los impulsos eléctricos que le llegan del nervio óptico.

El cerebro aplica correcciones de diverso tipo a la imagen que le envía el ojo, de entre ellas la que nos interesa ahora es la corrección de la perspectiva. Mediante esa corrección vemos en tres dimensiones. Sin embargo una foto es en dos dimensiones como habíamos mencionado al inicio.

La cámara actúa sobre la perspectiva, y cada tipo de objetivo lo hace de forma diferente.

Cuando fotografiamos las vías de un tren que se pierden en el horizonte, parecen convergen en un punto, ese seria un punto de fuga. Lo mismo sucede con una valla que se pierde hacia un lado, o un rascacielos hacia arriba.

En un retrato dependiendo de el plano es súper importante aplicarle siempre un punto de fuga para que genere impacto, es un plus que podemos sumarle a una imagen que queremos que la gente mire una y otra y otra vez por alguna razón.

Punto de fuga. Las vías del tren que parecen converger

Manejo de la cámara

Cuando compras una cámara y vez todos los tipos de controles que tiene y te preguntas que modo uso para tener un control mas potente sobre la cámara?

Cada fotógrafo tiene una forma de trabajar y no hay recetas universales, cada uno debe experimentar los diferentes modos de una cámara e ir eligiendo los que mejor resultado le den para cada tipo de situación.
Cuando ya te sabes al caletre toda esta teoría o la has practicado bastante deberías usar siempre el modo manual, para tener el control total sobre la cámara y ayudarnos con el fotómetro mediante el indicador de exposición para exponer bien la foto.

Repasemos brevemente para que sirve cada uno, ya que si te quedaste utilizando uno solo durante años apuesto que no recuerdas para que sirven los demás.

(V) Prioridad a la velocidad, selecciona un valor de velocidad y la cámara calcula la abertura necesaria para que la foto quede expuesta correctamente.

(A) Prioridad a a abertura, selecciona un valor de la abertura y la cámara calcula la velocidad adecuada.

(P) la cámara ajusta la exposición automáticamente pero si el valor de velocidad o abertura ajustado no nos parece adecuado podemos mover el dial de control para elegir otra combinación de velocidad y abertura.

La teoría dice que si quieres controlar la profundidad de campo uses el modo A (prioridad de abertura), si quieres controlar la velocidad uses el modo V (prioridad a la velocidad) y si quieres controlarlo todo uses en Modo M (manual). El modo P (programado) esta diseñado para tener control de la abertura y velocidad sin permitir valores con los que la foto quede mal expuesta (sobreexpuesta o subexpuesta).

Yo particularmente a modo de primera aproximación siempre disparo en M con una velocidad de 1/125, si va a existir movimiento en el modelo empiezo sobre 1/200. Para congelarlo correctamente.

El método si estas muy apurado seria el siguiente: usa el modo P, si tienes un poco mas de tiempo usa el modo S o el modo A, y ai no tienes prisa, usa el método M.

No vamos a pasar varias paginas explicando el tamaño de la imagen para mi siempre debes disparar en RAW. RAW Significa Crudo, es como cuando tomabas fotos análogas quedaban en el negativo, eso es un raw un negativo que revelaras de manera digital.

Pero hablando de redes sociales a la hora de editar nuestras fotos Photoshop o lightroom te dan la opción para guardar actualmente al tamaño adecuado para instagram.

Resumen de consejos para retratos.

Aun que hemos estudiado la teoría de manera rápida hemos ido viendo los consejos mas prácticos para mejorar tu habilidad a la hora de fotografiar personas.

En el retrato cobra especial importancia medir bien la luz que hay disponible. En un retrato cerrado en el que la cara ocupa casi por completo el encuadre, la textura de la piel es una de las protagonistas principales y si exponemos mas tiempo de lo necesario la piel saldrá sobre expuesta, destrozando la textura de la frente, pómulos, labios, etc.

En estas zonas suelen ser las que mas se queman, por eso siempre debes estar muy pendiente de la luz, intenta medirla exposición sobre las zonas donde la luz se refleje directamente, en las luces mas altas y guíate por el histograma de tu cámara, así no dañas una foto por mala exposición.

Retratos en exteriores

La mejor hora del día recuerda siempre muy temprano en la mañana tipo 6:00 am hasta las 10:00 am si el sol no esta muy fuerte, o a partir de las 5:00 pm hasta que tengas luz. Recuerda que si la luz es muy dura corres el riesgo de perder detalle sobre las texturas, las sombras aparecerán muy exageradas (sobretodo en la zona de los ojos) te va a quedar una foto muy contrastada.

Utiliza rebotador para rellenar esas sombras siempre debes cargar un rebotador contigo para rellenar así no te parezca.

Hay que tener mucho cuidado a la hora de utilizar aperturas muy abiertas, la profundidad de campo cuando usamos aperturas como las de un 60mm. De f/1.4 es muy reducida y si no prestamos atención, zonas como las orejas o el pelo pueden quedar desenfocadas y tal vez no sea el resultado que buscamos.

Si quieres aislar al sujeto una apertura de diafragma mas abierta como un f/2.8 o f/5.6 conseguirá que el sujeto destaque frente al fondo.

Cuando te fijas en lo pequeña que es la profundidad de campo disparando con un 50 mm. A f/1.4 (al que te acostumbraste) y cambiamos a f/3.5 nos llevamos las manos a la cabeza por que nos damos cuenta que el foco esta en la punta de la nariz y los ojos salen desenfocados.

Enfoca siempre a los ojos! Todo se transmite en la mirada, es importante no perder detalle en su mirada.

Si el modelo se encuentra de lado debes enfocar al ojo que se encuentre mas cerca al objetivo, después le puedes meter mas luz en lightroom, utilizando el filtro radial, y así dar mas fuerza en la mirada.

Mas adelante conversaremos como dirigir a el modelo para que te siga con la mirada o como dirigirlo.

La velocidad de obturación y nitidez.

La velocidad de obturación que elijas también influirá en la nitidez de la imagen final por que si ajustas una velocidad muy lenta puede que el modelo se mueva o haya alguna vibración, perdiendo la textura o la mirada nítida que buscamos en la fotografía de retratos.

Un buen punto de partida es ajustar una velocidad de obturación que sea el doble de la distancia focal que estas utilizando, es decir, si usas un objetivo de 50mm. Ajusta una velocidad de 1/100, si es un objetivo 100mm. Configura una velocidad de 1/200. A partir de ahí haz pruebas y amplia los resultados en la pantalla lCD de la cámara para asegurarte de que lo importante aparece enfocado.

Entra en confianza rompe el hielo con el modelo

No todos los modelos tienen años de experiencia posando ni todos son extrovertidos, dedica tiempo a conocer a esa persona para saber captar su esencia, puedes hacer bromas, muéstrale el resultado cada cierto tiempo para que gane confianza y así conocer su opinión, te servirá para saber que tal se siente trabajando contigo.

Si las fotos son muy malas, entonces dile que olvidaste la tarjeta SD en casa y sal corriendo. la fotografía de retratos es una modalidad complicada, necesitas practicar y hacer muchas fotos malas para conseguir buenos resultados, si la modelo ve que estas desanimado ella también se desanimara.

Dedica Tiempo a hacer scouting

El fondo, aun que en la gran mayoría de fotos retratos aparece desenfocado, juega un papel fundamental. Desde una pared blanca uniforme, un fondo con patrón que se repite, a la ciudad iluminada de noche con luces de neón, cualquiera ayudara a fortalecer o debilitar el mensaje o la composición del retrato.

Un fondo uniforme ayuda a centrar la atención en el modelo, un fondo de luces de colores o un patrón que se repute distrae, las líneas guían la mirada y debemos aprovecharlas para conseguir un equilibrio entre el sujeto y el fondo.

Como Guiar las poses de la modelo

Aun que el modelo no tenga experiencia posando, el no conoce la idea que hay en tu cabeza si no se la explicas o guías sus poses.

Utiliza las manos y el pelo para dirigir la mirada hacia los ojos u otras zonas importantes de la composición, cuidado con cortar dedos o articulaciones con el encuadre si no es necesario.

Si no tienes mucha experiencia guiando a modelos, lo mejor es darte una vuelta por las galerías de 500px y capturar poses que te gusten para mas adelante practicarlas en la sesión, recuerdas cuando te hable de las referencias? Busca bastante.

Cuida los pequeños detalles, no te dediques solo a disparar por disparar, presta atención a pequeños detalles que pueden arruinar una foto, pelos rebeldes, pelos en la ropa, ropa arrugada.

Es mejor evitar errores sobre la marcha que pasar horas arreglando el mismo problema en miles de fotos de una misma sesión. Con las cámaras actuales todos los desperfectos se notan muchísimo.

Fotografía de retrato con flash

El flash es un gran aliado en este tipo de fotografías, ya sea para rellenar con luz una parte en sombra, rebajar el contraste o como única fuente de luz.

Para suavizar la luz de un flash de mano puedes colocar un difusor pequeño sobre la cabeza del propio flash o usar la técnica de rebotar la luz en la pared o el techo. Esta técnica sirve tanto para el flash de mano como para el flash incorporado de la cámara, solamente tendrás que acercar al modelo a una pared o utilizar un techo bajo y disparar el flash sobre esa pared, de tal forma que la luz rebote hacia la cara del sujeto.

Ten en cuenta que si la pared esta pintada con algún color se reflejaran esos tonos en la piel. Te coloco dos ejemplos reales en dos pre bodas realizados con flash con diferentes tipo de difusores.

Para Guiar el flash de la propia cámara puedes utilizar una tarjeta, cartulina o algún material forrado con papel de aluminio.

Algunos objetivos para retrato

En la fotografía de retrato reinan los objetivos con grandes aperturas como el 85 mm f/1.2 canon, o el 85 mm f/1.4G De Nikon pero su precio es exagerado. Otro seria el Sony 85 mm f/2.8. Igual caro.

Prefiero los objetivos fijos, los retratos quedan perfectos para utilizarlos ya que no necesitas zoom por falta de tiempo para cambiar de objetivo, puedes acercarte, alejarte, puedes cambiar de lente si fuera necesario, en definitiva, beneficiarte de la magnifica calidad que ofrecen.

Toma en cuenta si tu cámara es APS-C o Full Frame, el factor de recorte como sabes convierte un objetivo 50mm en un 80mm en cámaras de medio formato, una distancia focal demasiado grande para el tipo de retratos que me gustan.

Un 80 mm para retrato es bueno cuando tienes espacio o para no acercarte demasiado a los modelos y hacer que se sientan mas cómodos que invadiendo su espacio personal con un 21mm.

Seguramente quieras fondos desenfocados, por lo que necesitaras un objetivo con una apertura de al menos f/2.8 o f/1.8, el bokeh que consiguen este tipo de objetivos enganchan desde el primer minuto que los utilizas.

Una opción económica em 50 mm es el canon 50 mm f/1.8 y actualmente la marca mas vendida Yongnuo YN f71.8

Aplicaciones en los teléfonos celulares para mejores fotografías

Como los celulares se han convertido en la cámara portátil mas popular y que todo el mundo tiene a mano durante todo el dia, aquí te hago una recopilación de las que pienso son las realmente interesantes y mas completas. Igual tienes que ir probando y ver cual te gusta y va mas contigo a la hora de hacer fotografías. Tambien puedes combinarlas, por ejemplo Snapseed junto a VSCO, creo que este combo es el mas poderoso que puedes tener en tu teléfono y ambas son gratuitas. Al menos VSCO es obligatoria, los filtros que ofrecen son realmente buenos y tus fotos ganaran un aspecto mucho mas interesante.

Existen aplicaciones para editar fotos en tu celular, muchísimas créeme mas de las que te voy a colocar acá pero te escribo acá las cinco apps imprescindibles o que cubren la necesidad de edición perfectamente. En algunos casos tendrás que combinar herramientas pero al ser gratuitas no habrá ningún tipo de problema.

Snapseed es una estación de edición completísima con ajustes básicos como filtros, brillo , contraste o exposición y ajustes mas avanzados como editar por zonas usando el dedo. Junto con VSCO es magnifica, trabaja RAW y DNG y exporta las fotos en JPG o PNG.

VSCO Otra de mis favoritas por la variedad de filtros, realmente son su punto fuerte pero puedes hacer ediciones básicas con ella. Lo mejor es que permite utilizar la cámara desde la propia app.

PIXlR Súper completa que compite directamente con Snapseed podrás desenfocar, reparar luces y sombras, ojos rojos o recortar la imagen.

Adobe Photoshop Express Versión móvil simplificada para hacerlo mucho mas intuitivo y fácil de usar, cuenta con mas de 60 filtros al estilo instagram.

Adobe lightroom CC es una de las mejores apps para editar fotos desde el teléfono. Para sacarle el jugo necesitaras una suscripción a Adobe.

Photolab Convierte tu teléfono en un verdadero laboratorio fotográfico. A pesar de parecer una mera recopilación de filtros y efectos, permite la creación de montajes con imágenes que pueden convertirse en portadas de publicaciones o en todo aquello que desees.

Espero que esta selección sobre las mejores aplicaciones de fotografía te ayuden a encontrar la que mas se ajuste a tus necesidades.

Instagram como tu Portafolio

No es tu portafolio.

Si ya cuentas con Flickr, Página personal, Facebook fanpage, entre otras…, piensa en Instagram como una plataforma en la que puedes subir lo más reciente que aún no has mostrado, y fotografías que no subirías a tu portafolio. En Instagram puedes ser más libre, no es necesario que subas series y a veces las personas se interesan por saber más del detrás de cámaras.

“Hasta lo podrías usar como tarjeta de presentación. A veces he tenido que dar mi username de Instagram porque se me terminaron las tarjetas. Así la otra persona puede rápidamente revisar mi perfil y seguirme.”

Mantén tu biografía limpia y en orden.Tu username y tu biografía son lo primero que ven cuando entran a tu cuenta. Sé claro en especificar qué es lo que haces, en dónde resides y tu mail o página de contacto.
Usa los hashtags adecuados. El uso de hashtags te puede traer mucho spam o la gente a la que realmente quieres llegar. Ten cuidado en escoger los que escribirás en tu fotografía. Usar los más populares como: #love o #sunset puede traerte mensajes de bots que realmente no te servirán.

Usa palabras que sean lo más cercanas a la descripción de tu fotografía, como: #justelimage. Que es usado específicamente para fotografías minimalistas. El límite de hashtags que puedes usar son 30, si utilizas 15 estaría bastante bien.

Para administrar listas de hashtags personalizadas nos recomienda usar las aplicaciones: Tagsdock (iOS) o Favtags (Android).

Sé constante. Varios de tus seguidores esperan que subas contenido parecido por el que se engancharon a tu perfil. No es que te tengas que forzar a subir sólo un contenido, pero trata de que sea parecido o sobre la misma línea. Si las personas que llegan a tu perfil ven una mezcla confusa de géneros en los últimos 9 posts es menos probable que te sigan.

Mantén las cosas simples. Otro de los tips de Instagram es que tienes que ser concreto y claro en lo que tienes que decir. No pongas información de más en tus fotografías que distraigan o que realmente no vayan a leer.

La hora de publicaciones es la clave.

La publicación de imágenes debe ser con regularidad para que sea más efectivo. Encuentra un horario y apégate a él. Pero ten mucho cuidado en no romper el ritmo porque tus visitas bajarán.

Ejercicios de fotografía imprescindibles

Creo que es necesario practicar varios ejercicios fotográficos aunque la modalidad de fotografía que te guste no esté relacionada con fotografiar gotas de agua.

Imagina que te gusta la fotografía de moda y quieres fotografiar a tu modelo saltando en el aire, es necesario que controles perfectamente la velocidad de obturación para que no salga «movida» la foto. Pero si no cuentas ahora mismo con la ayuda de un modelo, ejercicios como fotografiar gotas cayendo o coches en movimiento en las que utilizarás velocidades de obturación rápidas, pueden ser una excelente idea para practicar y dominar la técnica antes de tus primeras sesiones.

Un alto porcentaje del aprendizaje fotográfico como en otras muchas cosas se basa en la práctica (y leer el manual como te recomendé en e principio) Por lo que te he recopilado algunos ejercicios que me ayudaron a progresar como fotógrafo y que recomiendo siempre a todos los que quieren iniciarse en fotografía digital o estén estancados.

Prepara un proyecto de 1 fotografia diaria. Asi vas improvisando y creando nuevas producciones de tu propia inspiracion, prueba con tus hermanos o con tus hijos segun sea tu situacion, o con tu novia o novio.

Si una foto diaria es demasiado para tu ritmo de vida, te aconsejo elegir proyectos de 52 semanas en el que tendrás 7 días a la semana para conseguir una foto que publicar durante un año, el fin no es otro que obligarte a practicar.

Juega a averiguar los datos EXIF

Los datos EXIF son como el DNI de la foto, nos «vuelve locos» a todos los ajustes que has utilizado para hacer la fotografía, desde la velocidad de obturación y modelo de cámara, a la fecha en que se hizo.

Fijándote en estos datos aprenderás a resolver diferentes situaciones de luz sin ni siquiera sacar la cámara de la mochila.

Algo que me gusta hacer y me ayudó a soltarme con los parámetros de la cámara es intentar averiguar qué ajustes se han utilizado en cada foto, incluso puedes jugar con algún amigo a ver quién se acerca más a los ajustes reales.

En 500px puedes ver los Datos EXIF en el pie de la foto. También puedes utilizar una extensión para navegadores muy útil para las imágenes que veas por la red en las que no aparezcan estos datos:

Cambia el modo de medición.

Aunque un 97% de veces utilizo la medición puntual y el 3% restante «ponderada al centro» te recomiendo saber cómo afecta a la imagen el tipo de medición que selecciones para que sepas elegir correctamente cual se ajusta más a lo que necesitas.

Las mejores situaciones para practicar los modos de medición:

• Contraluces:
• Paisajes en los que haya un gran contraste de luz entre el cielo y la tierra. Debes intentar que el cielo no te salga sobreexpuesto ni el paisaje muy oscuro. Utiliza el histograma para encontrar un punto intermedio con la exposición correcta o que te permita recuperar esas zonas en el revelado digital. Te aconsejo aprender como interpretar un histograma.
• Retratos

La medición puntual es la que más dedicación requiere, ya que la cámara mide sobre el punto que elijas y tendrás que prestar atención a los tonos de la escena para conseguir una exposición correcta.

Es muy útil activar el bloqueo AE junto a la medición puntual, ya que una vez que tengas hecha la medición podrás recomponer la escena sin perderla. En cambio, si tienes configurada la exposición en el botón de disparo junto al enfoque, la medición cambiará cada vez que pulses el botón.

Un solo disparo

Si eres de los que dispara a todo lo que ve o hace 30 fotos de la misma escena para asegurarte una buena, este ejercicio te vendrá de perlas.

Gracias a la fotografía digital, hoy podemos hacer cientos de fotos con una simple tarjeta SD. No haber tenido contacto con la fotografía analógica y sus carretes, hace que no se valore el momento de la toma como se hacía antiguamente cuando solo se tenían por ejemplo 24 oportunidades.

Piensa antes de disparar, deja la cámara en e bolso y analiza la escena, el ángulo, intenta averiguar a ojo los parámetros correctos para la exposición, prueba a mirar por el visor sin disparar para hacerte una idea de cómo quedará y cuando estés decidido, dispara. No quiero que pierdas fotos por mi culpa, practica este punto en situaciones en las que tengas tiempo suficiente, como en una fotografía de paisaje o fotografías macro de una flor.

Prohibido hacer zoom (Distancia focal fija)

Prueba a utilizar durante unos días la misma distancia focal o utiliza un objetivo fijo. además de practicar con lentes fijas, disfrutarás de su luminosidad 1.8.

Antes de comprar una lente fija te recomiendo probar unos días a disparar con la focal equivalente en tu objetivo zoom y ver si realmente te convence. Además, debes tener en cuenta que en las cámaras réflex APS-C hay que aplicar el factor de recorte, por lo que un 50mm se convertiría aproximadamente en un 80mm y puede que tenga mucho alcance para tu gusto.

Este tipo de ejercicio fotográfico te obligará a moverte, buscar el encuadre perfecto utilizando las piernas como zoom y pensar más la escena.

Cambia la velocidad de obturación para la misma escena

La velocidad de obturación es el ajuste que más creatividad aporta a las imágenes, una misma fotografía disparada con distinta velocidad puede hacer que parezca otro lugar.

El fin de este ejercicio es que no te acostumbres a conseguir la foto aceptada como «buena» porque salga completamente congelada. Juega con la velocidad de obturación y olvida el punto 4 por ahora, aprovecha las ventajas de la fotografía digital y diviértete.

Dispara en manual

Es la mejor forma de hacerte con el control total de la cámara. Selecciona el modo manual y olvídate de programas automáticos.

Dispara a plena luz del día con ISO 3200 y ve bajando hasta que consigas una buena exposición. Ahora cambia la velocidad de obturación y dispara a 1/30, luego a 2 segundos o 1/200. Tu eliges, se trata de nuevo de conseguir la exposición correcta. El diafragma como sabes, también afecta a la luminosidad, abre al máximo que te permita tu objetivo y ve cerrándolo mientras te fijas como cambia la luz.

Este ejercicio es el más básico y el más importante, te recomiendo practicarlo a diferentes horas del día, por la noche, un día nublado, en pleno verano a las 3 de la tarde ¡ponte a prueba!

Piensa en luces y sombras

La próxima vez que salgas con tu cámara, presta atención a las luces y sombras e intenta componer con ellas. Es un buen ejercicio para esos momentos en los que no encuentras algo interesante que fotografiar.
Cambia tu forma de mirar, en lugar de fijarte en la arquitectura o la inmensidad de un paisaje, intenta captar como la luz recorre la escena o como las sombras crean fuertes contrastes.

Conseguir varias fotografías en un mismo sitio

Este es otro de esos ejercicios que ayudó bastante a que mi biblioteca fotográfica creciese. Tenía la mala costumbre de hacer una sola fotografía en un lugar y pasar al siguiente, sin pensar en todo lo que me rodeaba. Piedras, musgo, flores, ángulos más interesantes, árboles, insectos, tal vez una foto del paisaje incluyéndome en el encuadre, elementos de mi alrededor que podía incluir en la composición, etc.

Las posibilidades se multiplicaban y muchas veces las fotos más interesantes eran las que no estaban planeadas.

Aprende a hacer foto montajes (Ojo puristas)

Lo bueno de utilizar cámaras réflex digitales y archivos RAW de alta resolución, es que las fotos que no me convencen o han salido mal puedo utilizarlas para hacer foto montajes en Photoshop.

Revelado de un Raw usando Photshop

Actualmente puedes usar lightroom o Photoshop para revelar y editar tus fotos, ya estamos suponiendo que disparas todas tus imagines en RAW, por lo tanto necesitamos revelar con el uso de un software fotografico, en este caso Photoshop.

Como puedes observar en el video estamos descargando un archio raw que me enviaron por Dropbox para su edicion.

En este caso el primer paso es descargar la imagen y usar Photoshop como el programa default o por preferencia para abrir el archivo.

De forma automatica Photoshop abre el archive en Camera Raw settings, que es el sitio donde vas a revelar tu camara como tal, y que es lo que hacemos con un archivo digital para revelarlo?

Corregir el White Balance, Corregir el contraste, los brillosl el color, en fin tienes toda una grilla para jugar y revelar la foto a tu estilo, debes respetar por supuesto los valores que te da el histograma y no abusar saturando una imagen, o dandole una baja ganancia de luz, el revelado es el primer paso para aprender a usar photoshop o lightroom, de ahi en adelante existen miles de presets, miles de funciones y nuevas cosas que puedes aplicarle a la piel.

Te aconsejo tomar un curso completo de photoshop pero antes asegurate de tener todos los temas de este curso dominados al 100% y aprendas a revelar por tu cuenta y practica los archivos raw.

Antes de despedirme de ti en este primer master te muestro un video de como edito de forma basica hasta el final el mismo retrato.

Te invito a que tambien te des una vuelta por el curso bonus de fotografia basica para repasar la teoriay no pases pena en un live cuando te pregunten que es un megapixel y no sepas responder.

Obsequio: Bonus Pack

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